サンプル選びは、トラックに入れる前から始まっている。：Parra For Cuvaインタビュー

2026年6月3日

Parra for Cuva（パラ・フォー・クヴァ）が、楽曲「Juri」の制作におけるサンプルの選定方法、パーカッションのレイヤー化、ボーカルのプロセッシング、そしてフィールドレコーディングの活用法について解説します。今回は、サンプルの選択、リサンプリング、個人のアーカイブ、そして彼の近刊アルバム『Nacar』の背景にあるプロダクション技術について話を伺いました。

プレス画像クレジット：Max Hartmann Photo

Parra for Cuvaは、生楽器、フィールドレコーディング、断片的なボーカル、そして人間のぬくもりを感じさせるレコーディングによるパーカッションを取り入れた、緻密なエレクトリックミュージックを中心に自身のカタログを築き上げてきました。 Nico Demuth（ニコ・デムース）は、これまでのアルバム、ライブセット、そしてコラボレーションを通じて、クラブミュージックとヘッドフォンでのリスニングの中間に位置するプロダクションスタイルを確立しており、プロジェクトに組み込まれる前から自分らしさを感じられる質感、メロディ、そして素材を重視しています。その視点が明確に表現されているのが、リリースされたばかりの通算6作目のスタジオアルバム『Nacar』に先駆ける最後のシングル「Juri」です。

自身で演奏したパーカッション、幾重にも重ねられた音の響き、そして細かく刻まれたボーカルサンプルを中心に構築された「Juri」は、アルバム全体を通して感じられる、手作業で丁寧に作り込まれた楽曲制作の手法を明確に表現しています。このトラックは、彼のガールフレンドの甥と共有したピアノの思い出から始まり、ボーカルサンプル、Juno-6（アナログシンセサイザー）、Microcosm（エフェクターペダル）、そして何層ものアンビエンス（環境音）を中心に形作られていきました。

また、コスタリカでの最近の楽曲制作セッションで得られたフィールドレコーディングの素材も『Nacar』に登場しており、アルバムの一部の素材がレコーディングされた環境とその作品とを直接的に結びつけています。

以下のインタビューにおいて、Parra for Cuvaは、どのようなサンプルが使用するに値するのか、なぜ自身がドローン（持続音）やアンビエントのレイヤーから曲作りを始めることが多いのか、そしてボーカルのプロセッシング、パーカッションのレイヤー化、リサンプリング、フィールドレコーディングが、どのようにして個人的なディテールを持つトラックの構築に役立つのかを説明しています。さらに、プライベートな素材をレコーディングすることから、コンプレッション、ディストーション、フェイジング、エロージョン、フランジング、ストレッチ、レイヤー化などのプロセッシング効果を用いてサウンドを自身のアイデンティティに近いものへと再形成することまで、サンプルの選択肢をありきたりなものにしたくないアーティストやプロデューサーに向けた実践的なアドバイスも提供してくれています。

インタビュー

Parra for Cuvaのトラックに採用されるサンプルには、どのような基準や魅力があるのでしょうか？

Parra for Cuvaのトラックに採用されるサンプルは、通常、何らかのオーガニックな、あるいはグローバルなアコースティックのキャラクターを持っています。それがインストゥルメンタルの素材である場合、私は感情を揺さぶるコード進行を伴うリズムフレーズや、大気のようなドローンへと発展させることができる質感、特にストリングスをベースにしたサウンドに惹かれることが多いです。

ボーカルサンプルに関しても、同様のソウルとアイデンティティを求めています。私は、ピッチやタイムのプロセッシングを通じてボーカルを操作しつつも、元の感情や質感を部分的に残すことが大好きで、人間的なものと変形されたものとのコントラストは、私にとって非常に刺激的です。優れたサンプルには、トラックが形を成し始める前から、すでにある種の感情やストーリーが含まれているものなのです。

サンプルを探すとき、通常はまず何を聴こうとされていますか？

ほとんどの場合、トラックの感情的なトーンを設定するドローンやアンビエントのレイヤーを作成することから始めます。サンプルを探している間、それを絶え間なく流し続けるのですが、あるサウンドがその空間に自然に溶け込んだときにはすぐに気づくことができます。

私は特に、原形をとどめないほど自由に変形させたり、深く加工したりできるサンプルに興味を持っています。なぜなら、いかにもサンプルをそのまま使ったと分かってしまうような、ありきたりな響きにしたくないからです。サウンドをチョップし、ストレッチし、リサンプリングし、そしてレイヤー化することは、私のクリエイティブなプロセスの大部分を占めています。サンプルが多くの可能性を提供してくれればくれるほど、それは刺激的なものになります。多くの場合、最もエキサイティングな瞬間は、あるサウンドが元の形態とは完全に異なるものへと変化したときに起こります。

どのようなサンプルの特性が、「Juri」のサウンドを決定づけるのに役立ったのでしょうか？

「Juri」は、実はアルバムのための最初の制作旅行に出る前にあったアイデアから始まりました。プロセスの初期段階で少し圧倒されるような気持ちになっていたことを覚えているのですが、イタリアでスタジオをセットアップしているときに、数日前にガールフレンドの甥と一緒にピアノを弾いていた瞬間のことをふと思い出したのです。

私たちは何気なく即興演奏をしていたのですが、一緒に弾いた特定のコード進行を記憶していました。私はその感情をベースに曲を構築することを決め、その直後に、そのアイデアとすぐに結びつく素晴らしいボーカルサンプルを発見しました。その時点で、トラックの感情的な中心はすでに完成していたのです。それからは、Juno-6やMicrocosmペダル、そして質感やアンビエンスのレイヤーを駆使して、それらの素材の周りにシネマティックなストーリーを構築していく作業が中心となりました。

サンプルを重ね合わせること、特にパーカッションにおいてレイヤー化することが、ご自身の音楽においてこれほど効果的であるのはなぜだと思いますか？

サンプルをレイヤー化することで、パーカッションがオーガニックであると同時にエレクトリックであるようにも感じられるようになりますが、これは私が昔から大好きな手法です。私はよく、複数のスナップ（クラップ）やパーカッションのサンプルを組み合わせます。なぜなら、それぞれのレイヤーが異なる質感やトランジエント、あるいは空間を提供してくれるからです。

その組み合わせにより、クリーンすぎたり静的すぎたりするのではなく、緻密で生き生きとしたサウンドが生まれます。また、現代的でエレクトリックな響きを持ちながらも、音楽に少しノスタルジックなサンプリングの質感を与えているとも思います。同時に、レイヤー化を行うことで、ミックス内で生演奏のような雰囲気のパーカッションを合成された素材の隣に自然に配置することができます。しかし、簡単に音が過密になってしまうため、常にバランスを見つけ、いつレイヤーを追加するのをやめるべきかを知ることが課題となります。

音楽に個人的なディテールや深みを与えたいと考えているプロデューサーに向けて、サンプルの選定方法に関するヒントはありますか？

自分自身のサウンドをレコーディングし、時間をかけて個人的なアーカイブを構築することを常にお勧めします。小さなフィールドレコーダーが一つあれば、周囲の環境の聴こえ方が完全に変わるでしょう。旅行をしているとき、街を歩いているとき、キャンプファイヤーを囲んでいるとき、あるいは友人と時間を過ごしているときなど、常にキャプチャーする価値のあるユニークなサウンドが存在しています。

それは時に、笑い声であったり、金属の共鳴音、足音、火の中で木がはぜる音、あるいはスタジオで後に信じられないほど刺激的となるランダムな環境の質感であったりします。コンプレッション、エフェクト、リサンプリング、またはレイヤー化によるプロセッシングを施すことで、それらのレコーディング素材はあなたのサウンドの感情的な基盤になり得ます。私はその後、そうした個人的なレコーディング素材を高品位なサンプルライブラリの素材と組み合わせ、さらにディストーション、フェイジング、エロージョン、フランジングなどでプロセッシングを行うことで、それらをより個性的で、元の素材が分かりにくいものにすることが好きです。

まとめ

Parra for Cuvaのプロセスは、サウンドがアレンジメントウィンドウやDAWのタイムラインに到達するよりもはるか前から、サンプルの選定が始まり得ることを示しています。フィールドレコーディング、ボーカルのフレーズ、パーカッションのワンショット、あるいはランダムな質感などは、トラックのトーンに合致し、変形のための十分な余白が残されている場合、状況を一変させ、楽曲の可能性を大きく広げることができます。彼のアプローチは、アイデンティティを持つ素材に耳を傾け、ピッチ、タイム、リサンプリング、ペダル、シンセシス（合成）、そしてエフェクトを使用して、それを音楽の感情的な方向性へと近づけていくことに焦点を当てています。

Loopcloudを使っているプロデューサーにとって、最も重要なポイントはとてもシンプルです。それは、理想的なサンプルの活用法とは、素材を素早く探し出すスピード感と、自分自身のこだわりやセンスを掛け合わせることだ、ということです。ライブラリは高品質な素材を素早く見つけるのに役立ちますが、あなた自身のレコーディングは、いかなるパックでも完全には提供できないプライベートな層をトラックに与えてくれます。それらの素材が意図を持ってチョップされ、ストレッチされ、レイヤー化され、そしてプロセッシングされたとき、サンプルベースのプロダクションは、完成されたループを探す作業から、その作品のためだけのサウンドを構築する作業へと進化するのです。

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アーティスト固有の「原体験」や日常の環境音が、音楽に唯一無二の生命力を吹き込む重要性を再認識させられます。現代の音楽制作において、高品質なサンプルパックは手軽に入手できますが、誰もが同じ素材にアクセスできるからこそ、アーティスト自身の私的な記憶やフィールドレコーディングによる「ノイズ」の介在価値が高まります。効率的なデジタルツールを土台としつつも、そこに不完全でパーソナルな素材をあえて衝突させ、緻密なプロセッシングによって独自の芸術性へと昇華させるアプローチこそが、飽和するエレクトリックミュージックの海において、聴き手の心を掴むリスニング体験を生み出す鍵になるはずです。